viernes, 20 de febrero de 2015

Call Of Duty: Advanced Warfare


El primer juego de la famosa saga de Call of Duty adaptado a las consolas de nueva generación viene de la mano de Activision y Sledgehammer Games, que, tras tres años de desarrollo y aunque hubiese sido estrenado el año pasado Call Of Duty : Ghosts también para las nuevas consolas, ha sido el primero en dar el gran salto a la calidad gráfica esperada por los jugadores sobretodo de Xbox One y PS4.

Lo mejor sin duda de esta entrega es la campaña, la cual nos hace viajar al 2054 de la mano de Kevin Spacey, el  supervillano de la "peli" en la que nos encontraremos sumergidos cuando estemos jugando.

Digo "peli" porque la historia y el guión son dignos de una gran película de acción capaz de haber llevado al cine a muchos seguidores de esta famosa saga si hubiesen sacado una de esta saga aprovechando esta entrega como inicio.


Las armas, adaptadas al 2054 y bastante futuristas me parecieron espectaculares, así como los exoesqueletos: un segundo esqueleto integrado en tu traje que, dependiendo de la fase de la campaña en la que estés te dará unas habilidades u otras, como por ejemplo dar unos saltos dignos de Space Jam, tener súper fuerza, lanzar pulsos sónicos, desplegar un escudo, hacerse invisible, ralentizar el tiempo, etc.

Otro punto muy bueno es la conducción de los diferentes vehículos que se pueden utilizar en este juego, como lanchas sumergibles, robots de combate estilo Titanfall, etc. Además cuenta con los modos jugador a los que estamos acostumbrados: el cooperativo y el competitivo, en los cuales también son muy aprovechables los nuevos exoesqueletos, pero que siguen siendo el mismo cantar de las otras entregas.

Lo mejor de esta entrega en mi opinión es que por fin le han dado una calidad gráfica adecuada a los tiempos que corren y a las consolas de nueva generación para poder sacarle todo el partido posible. En las secuencias cinemáticas introducidas a lo largo del juego es impresionante la calidad de detalles y de texturas en general pero sobre todo en los personajes, a los cuales se les notan hasta los poros de la piel cuando se acercan.


En el resto del juego también se ha notado mucho el cambio y eso es de agradecer. Personalmente dentro de la saga le daría un 9 sobre 10 y como juego en general un 8, puesto que no deja de ser el mismo juego, que aunque me parece bueno  (exceptuando el Ghosts), lo que va cambiando es la historia y el ambiente en el que juegas.
                                                                                                                                                Alba Hidalgo



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miércoles, 18 de febrero de 2015

Snowpiercer

Viaje a ninguna parte


Un planeta tierra devastado, muerto, congelado. Todo menos una cosa, un tren que se mueve inexorablemente en una sola dirección, hacia adelante. En su interior se refugian los últimos supervivientes de la raza humana, pero a pesar de toda la calamidad que ha conllevado esa situación el hombre sigue siendo el peor enemigo para el hombre en su máxima expresión, en la lucha de clases.

El director coreano Joon – Ho Bong, un viejo conocido para el espectador de cine oriental por obras como “The Host” y “Memories of a Murder” realiza su primer largo fuera de su país con una adaptación de la homónima novela gráfica, aka cómic, de origen francés y un reparto multicultural encabezado por Chris Evans (“Capitán América”) con irregulares resultados.

Quizá las expectativas que habían levantado en mi las efusivas críticas que recibió la cinta en sus proyecciones por diversos festivales o las dos obras del director anteriormente citadas me habían predispuesto a que iba a ver una de las películas fantásticas de la década... por desgracia vamos a tener que dejarlo en una de las del año, un año muy bueno para el Sci-Fi como “Coherence” o “Interstellar” atestiguan.


La película comienza con buen ritmo, presentando rápidamente a los protagonistas y poniendo en situación al espectador. El hombre intenta salvar la tierra jugando a ser Dios, todo se va al garete y años después la humanidad vive confinada en un tren donde unos pocos viven en primera clase cometiendo toda clase de excesos, mientras la mayoría vive en la cola del tren haciendo de base para que el orden “natural” siga su camino. Varias han sido las revoluciones que han intentado tomar la cabeza del tren, pero ninguna ha conseguido alcanzar la locomotora. Una serie de acontecimientos hacen que nuestro protagonista encabece un nuevo intento, un intento que puede que sea el definitivo.


Como un tren de la bruja o de un videojuego se tratara, Joon – Ho Bong nos va mostrando vagón por vagón, fase a fase, esta revolución ya que con cada apertura de cada puerta hacia la ansiada cabecera nos irá mostrando situaciones tan variadas como alocadas. He ahí quizá la dificultad de mantener un ritmo continuo durante el metraje, ya que alguna sorpresa que nos depara este viaje puede romperlo. Como decía en el párrafo anterior, la función empieza bien y se mantiene durante buena parte, pero ciertos momentos del nudo de la película nos harán perder el hilo para luego volver con un buen giro final por su atípico resultado.


Las actuaciones de todos ellos rayan a un nivel altísimo, en especial la de Chris Evans y la de Tilda Swinton, que en su papel de mano derecha del fundador Wildford, consigue transmitir la repulsión que debe de dar un personaje como el suyo, autoritario e injusto. El resto del reparto lo componen caras conocidas como John Hurt y Octavia Spencer, que venía de ganar un Oscar por la divertida “Criadas y señoras”, y la menos conocida para el espectador occidental como es la de Kang – Ho Song un habitual del cine coreano, y del director, que también prueba a hacer las Américas en esta película.

En la parte técnica la cinta cuenta con una fotografía impecable que acentúa cada cambio de vagón mostrando una gran gama cromática según lo requiere cada uno de ellos, creando momentos de auténtica claustrofobia junto a otros de aparente calma y calidez. Otro cantar son los efectos especiales que no pasan del aprobado al tratarse de una producción modesta pero que cumplen con la narrativa.


Una buena película de ciencia ficción con mensaje, de esas que a pesar de no ser redondas te hacen pasar un buen rato y que pasan desapercibidas a ojos del gran público debido a una pobre distribución al no contar con una gran major detrás pero que esconde momentos memorables.

Gonzalo “Shinterry” Bielsa


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lunes, 9 de febrero de 2015

Se Levanta El Viento

Gracias Maestro


Hablar de “Se Levanta El Viento” es hablar del sueño de su director, el más que posible punto final a la carrera de uno de los mejores directores que la animación han dado en la historia del cine. Hayao Miyazaki que muchos conoceréis por ser una de las mentes detrás del estudio Ghibli famoso por películas como “Mi Vecino Totoro”, “La Princesa Mononoke” o “Ponyo” entre otras y que han estado treinta años ofreciéndonos sus mundos mágicos e historias que no tienen nada que envidiar a las de la casa del ratón en sus mejores momentos.

Es el sueño de su director porque en esta película Miyazaki nos ofrece una historia que siempre le ha fascinado y que siempre ha querido plasmar en alguna de sus películas y que por fin ha conseguido llevar a la gran pantalla, la biografía de Jiro Horikoshi, el diseñador y constructor del célebre avión de combate “Zero” que uso la aviación Japonesa durante la segunda Guerra mundial, conocidos especialmente por ser los usados para el ataque de Pearl Harbour.

Posiblemente la figura de Jiro no sea muy conocida, además de un personaje histórico tan vinculado con la segunda guerra mundial no sea el personaje que nos imaginábamos a la hora de pensar en una película del estudio Ghibli, reconocidos por sus películas pro naturaleza y antibelicistas. Pero el film no busca reflejar cómo se llegó a crear la máquina de guerra, si no en cómo un hombre lucha para cumplir su sueño y es atrapado en las dificultades de la época.


Por esto se puede llegar a pensar que quizá a priori pueda parecer que sea la producción más alejada a lo que el estudio nos tenían acostumbrados últimamente, adaptaciones de libros juveniles llenos de fantasía y momentos mágicos, pero no deja de tener todos los ingredientes y señas del estudio aunque con una historia más adulta y enfocada a los que llevamos disfrutando de sus historias y que ya hemos crecido.

La historia se desarrolla desde la niñez de Jiro y como con una revista americana descubre al que sería su inspiración en el mundo de la aeronáutica y marcaría su sino, hasta el final del desarrollo de la aeronave que le haría famoso con un ritmo pausado, más típico de una película de imagen real que de animación, utilizando la relación entre el protagonista y Naoko, la heroína de esta película, que con sus encuentros y separaciones a lo largo de la historia sirven como hilo conductor. Como bien podéis imaginar no es una película alegre y con un final feliz ya que la época que retrata no daba para éstas, no llega a los niveles de otra película del estudio como es “La tumba de las Luciérnagas” ya que esta al menos esta nos deja un mensaje de esperanza y que todos los sueños por difíciles que sean son posibles siempre que se luche por conseguirlos.

A nivel técnico la película no hace gala de grandes efectismos y es bastante conservadora, con unos diseños marca de la casa y una utilización de una paleta más brillante y colorida cercana a la utilizada en “Ponyo” como contrapunto a lo que podría invitar la historia. En el tema auditivo contamos por expreso deseo del director con una pista de audio en mono, dándole más si cabe ese toque austero al film. Recomendable su visionado en versión original, aunque el doblaje español no es malo si tiene una selección de voces bastante mediocre en algunos casos, las voces infantiles al principio por poner un ejemplo.


Para terminar solo decir que es una película agridulce, que no será del gusto de los más pequeños de la casa, pero sí de aquellos, que como decía anteriormente, hemos crecido viendo las películas que el maestro Miyazaki ha ido brindándonos todo este tiempo. Film que disfrutaremos de principio a fin como una carta que no queremos terminar de leer porque al final sabemos que no es una carta cualquiera, es más una de despedida y cuando veamos los títulos de crédito terminar no podemos más que dar gracias por todas esas historias que ya son parte de nuestra cultura y que difícilmente se volverán a repetir en mucho tiempo.

Gonzalo “Shinterry” Bielsa

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martes, 3 de febrero de 2015

Bayonetta 2

Del Cielo al Infierno


Año 2009, un año clave en cuestión de videojuegos, Capcom devolvía Street Fighter a lo más alto con su “Strifa IV”, Naughty Dog nos demostró por qué teníamos que comprar una Playstation 4 con su Uncharted 2 y Platinum Games nos traía un juego que no dejaba a nadie indiferente, Bayonetta.

Antes de hablar de la segunda parte que nos trae hoy aquí hagamos un pequeño repaso a la primera parte ya que es importante para comprender la maravilla que nos brinda Platinum. Bayonetta fue la evolución del hack and slash; coloquialmente hablando un "yo contra el barrio de toda la vida", donde manejamos a Bayonetta una de las últimas brujas del mundo que en su cruzada contra los altos cielos y sus ángeles tendrá que repartir más de un tiro, golpe o invocar a criaturas de otra dimensión al compás de Fly me to the Moon. El juego en si no contaba con un guión complejo ya que no era más que una mera excusa para lo que realmente importa en un videojuego, su jugabilidad, y de eso sus creadores saben mucho.


Platinum Games una compañía formada por los más grandes ex-Capcom de los años 90 como Hideo Kamiya, Shinji Mikami o Atsushi Inaba que se conocieron en el estudio de Clover, aquel que creó algunas de las joyas de Playstation 2 como Okami o God Hand, este último un antecedente de Bayonetta por su estilo y su humor socarrón. No es de extrañar que con tal equipo detrás y tanto cariño puesto en lo que sería una de las cartas de presentación del estudio nipón saliera el que es para muchos, hasta ahora, el mejor juego de acción de la historia.

Pero todo esto no fue suficiente para convertir el juego en un superventas, es más, vendió lo justo por no llamarlo fracaso comercial, como decía en el primer párrafo 2009 fue un año brutal en cuanto videojuegos y los inicios de 2010 también fueron de los más saturados del mercado haciendo que la competencia en las tiendas fuera lo suficientemente grande como para que un juego con poca publicidad y de un género que se consideraba muerto comercialmente hablando sucumbiera. Aun así algunos de los que disfrutamos el juego por aquel entonces deseábamos que algún día volviera la Bruja de Umbra de alguna forma.



Año 2012, estaba yo en la presentación del Tekken Tag Tournament 2 y la noticia del día para mi no resultó ser dicho juego. La noticia venía del E3 que rompió moldes con Watchdogs, Nintendo resucitaba para su nueva consola con un escueto video a Bayonetta, y además en exclusiva. Su padre, Kamiya, dejaba el sillón de director a Hashimoto en lo que sería su primer juego como cabeza de cartel. 

Todo apuntaba a que el juego iba perder parte de su magia y mala leche tras su paso por Nintendo y que un director novel no podría afinar tanto como alguien que llevaba toda su vida redefiniendo el genero... pero en estos dos años que han pasado Platinum ha conseguido recordarnos una vez más que en esto de hacer juegos son unos artesanos con mucho tiento.


Bayonetta 2 se puede definir de una forma clara y directa, igual pero más. Igual por que transmite la misma sensaciones que haya por 2009 nos ofreció, un control exquisito, una curva de dificultad soberbia donde el jugador rápidamente se hace con el control del juego y debe profundizar si quiere dominarlo en sus niveles más altos, un personaje que o lo amas o lo odias, lleno de estereotipos pero único en si mismo, un puñado de guiños a la historia del videojuego y más a su vertiente arcade y una banda sonora muy cuidada.

Más porque Platinum no se ha conformado con explotar la marca y ha refinado todo aquello que hacía grande al producto añadiendo nuevas opciones al mismo, gráficamente se ve más pulido gracias a la potencia de la sobremesa de Nintendo, el juego mantiene unos 60fps durante todo el juego algo que a la consola de Microsoft le costaba conseguir y no hablemos de la de Sony en el primer juego. También han añadido una serie de opciones a dos jugadores en las que podremos jugar diversos capítulos de la campaña junto a algún amigo en pos de ver quien consigue una mayor puntuación, una gran cantidad de secretos escondidos por los escenarios que nos desbloquearán, una colección completamente nueva de armas cada una de ellas con sus combos diferentes, y, gracias a la producción de Nintendo, una serie de trajes basados en las mascotas de la gran N, que van desde la princesa Peach a Samus, pasando por Fox y Link, en los que no solo habrá cambios estéticos sobre el personaje sino a todo lo que rodea.


Si te gustó el primero este te encantará y es una compra imprescindible dentro del catálogo de Wii U, si no pudiste disfrutarlo ahora es buen momento ya que por motivo del lanzamiento de esta segunda parte Platinum ha relanzado la primera parte con algunos añadidos y un mejor frame-rate, además de que nunca es tarde para disfrutar de un buen juego; en cambio, si no te gustó siempre puedes darle una segunda oportunidad y descubrir las bondades que alberga.

Gonzalo “Shinterry” Bielsa

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